Solo Exhibition “Playground” 2019 Gallery PARC This exhibition was held under the following themes: three dimensional animal objects, school grounds, ice cream, iron playground equipment and cats. These themes came from the name of the gallery of this exhibition “PARC” , which means “park” . The concept of this exhibition was interpreting the playground equipment in parks as sculptures, cats as paintings. We remove the division between gallery and park to create art works in ordinary daily scenes. 動物の立体物、運動場、アイス、鉄の遊具、そして猫。 この展覧会は公園、遊具をテーマに構成しています。 公園を意味する「PARC」が、ギャラリーの名前として付けられており、そこからこのテーマを考えました。そして、この展覧会 のコンセプトは、公園の遊具を彫刻、猫を絵画として捉えることで、作品が展示される場であるギャラリーと公園との差異もなくし、日常の何気ない風景に作品を生み出すことです。 協力 内田工業株式会社、北川鉄工所 撮影=麥生田兵吾 写真提供 Gallery PARC
Self-Portrait year: 2019 venue: Gallery PARC(Kyoto) material: painting, wood, canvas A three dimensional work using paintings and wood. I gathered paintings from friends, local universities or recycle shops, pieces of wood from my past work and panels from rubbish sites. There was a strong urge inside me to create this piece, therefore I created it without any logic. When I was a junior high school student, sometimes I used to draw with strong pen pressure as if I was spitting out my emotion. As I study art, the emotional aspect and impulsive way of creating disappeared from my work. By understanding the concepts or the components of painting, I have been forming myself as an artist. But at this particular period of time, I assume that I had to make something to express the core of myself. 変形絵画(Self-Portrait) 制作年: 2019年 会場: Gallery PARC(京都) 素材: 絵画、木、キャンバス 絵画と木材を組み合わせて創った立体。絵画は知り合いや、近所の大学、リサイクルショップでもらったりして集め、木材は 過去作品のは材や、ごみ 捨て場から拾ってきたパネルなどを主に用いています。この作品は「どうしても創りたい」という自 身の中にある強い衝動があり、ほとんど理屈抜きで、形にしていきました。僕は中学生くらいから吐き出すように、紙に強い 筆圧で絵を描くことがあったのですが、アートを学ぶ中で、次第に作品から、感情的な部分や衝動性は無くなっていきました。 アートの構成要素であるコンセプトなどを理解し、作品に取り込んでいくことで、ある意味、アーティストとして整ってきまし たが、自分の核となる部分を、この時期に一度、形にする必要があったのかもしれません。
colored window year: 2015 venue: Gallery PARC(Kyoto) material: coloured drawing paper I took a photograph of a building in Otsu city in Shiga prefecture, on which I put pieces of coloured drawing paper on the windows. The creative process was seen from the national road. This building has a complex structure because it accommodates different facilities inside, such as a gymnasium or a branch of the city hall. However, since the plane of the building facing the playground has a very simple structure and a strong frontality, I thought this could be seen as a painting by placing coloured drawing paper on the windows. In 2014, I put wood pieces in the ARTCOURT Gallery to create a structure of a painting which includes the building of the gallery itself, and exhibited as an art work. In 2015, I built a white wall in Gallery PARC and transformed it into a white cube. During this period, I was interested in involving architecture into my work. This is a piece in which I transformed a building into a painting with the least effort. 色窓 制作年: 2015年 会場: Gallery PARC(京都) 素材: 印刷用紙 滋賀県大津市にある建物の窓に内側から色画用紙をはり、それを撮影した作品。制作している様子は、国道から眺めること ができました。この建物は体育館や、支所などいくつかの機能を備えているため、複雑な構造を持っているのですが、グラウ ンドに接している面だけ、シンプルな作りで正面性が強くなっています。そこにいくつかの窓があり、正面性を強調するために、 窓に色を置くことで絵画として成り立つ、と考えました。2014年に ARTCOURT Gallery で角材を並べ、ギャラリーの建築 も含めて絵画の構 造を持たせた作品を展示し、2015 年に Gallery PARC で白壁を建て、ホワ イトキューブ化しました。この 時期、建築を作品に取り組むことに関心があり、この作品も最小限のアプローチで建物を絵画化しています。
Melting Painting year: 2019 venue: Gallery PARC(Kyoto) material: canvas, ice cream It is a painting drawn by placing ice cream on a canvas. There are 4 walls with 4 different colours, and 6 different colours of ice cream. The visitors buy tickets to choose their favourite colours for the wall and the ice cream, and put the ice cream on the canvas. In the past work, I created a piece in which I made coloured soap bubbles inside the gallery. As they break up on some objects (the colour disappears gradually) I created “touch” (trace) as a phenomena. Or I created a piece in which bouncy balls bob at fast speed, and created “stroke” (trace) as an phenomena. This “Melting Painting” continues being created as long as the ice cream melts. There is no ending point, and here I create abstract painting as a phenomena. The canvas is to be changed to a new one three hours after the ice cream is put in place. Melting Painting 制作年: 2019年 会場: Gallery PARC(京都) 素材: キャンバス、アイスクリーム キャンバスの上にアイスをのせ、描く絵画。四色の壁面、そして六色のアイスが用意されており、鑑賞者はチケットを購入する ことで、その両方から自分の望む色を選び、アイスをのせることができます。これまでに、色のついたシャボン玉をギャラリー 内に発生させ、それがどこかに触れてはじける(色は徐々に消える)ことで、タッチ(筆跡)を現象として作品化し、高速で 跳ね続けるスーパーボールの軌跡から、ストローク(筆跡)を現象として作品化しました。このように絵画を一時的に色があ る状態と解釈した作品を創ってきました。この Melting Painting はアイスが溶けることで、イメージが描き続けられ、完成す る時点はなく、抽象絵画を現象として作品化しています。アイスが置かれてから、3 時間が経過するとキャンバスは取り外され、 新たなものと交換されます。
Sculpture year: 2019 venue: Gallery PARC(Kyoto) material: iron, paint It is a piece which transformed playground equipment into a sculpture. I got an existing plan of playground equipment from a company, and ordered an iron foundry to make the same shape with the same material and size. The original shape of the piece was climbing poles with seven iron poles standing vertically from the ground. The top part of the pole was closed, and the bottom part was attached to the ground. In my piece, I displayed this object horizontally without touching the ground, and changed the shape to close both ends of the poles. In my solo exhibition “white” at PARC in 2015, I simply transformed the gallery into a white cube. The space of the former PARC had very unique aspects; the spaces were filled with huge panes of glass, concrete walls and some tatami mats. Because it was far from a neutral space, I thought if I made this area into a white cube I could emphasise the uniqueness of this space paradoxically. On the other hand, using the same point of view as the solo exhibition “white” , I came up with another plan for an exhibition in which I discovered what kind of piece would suit a substantial space like PARC. And so, the exhibition was scheduled. The idea of this exhibition was to exhibit unpainted playground equipment. Even though playground equipment itself is a heavy and solid object, because of the over colourful painting, the presence of the object itself disappears. However, by displaying it unpainted, though the shape is the familiar as playground equipment, the texture of iron or resin gives a totally different impression of the object, which seemed to suit the space of PARC. As the exhibition was scheduled, I looked for a supplier of the playground equipment, and finally found one. But while I was doing all of that, PARC moved out from the former location to the current place. Because of that, my idea which had a strong connection to the space itself, at once became an ideology, and landed on the new place as a piece. I found a uniqueness in the shape of playground equipment and common features between sculptures in terms of material and colouring method. These aspects are emphasised by removing the original function and exhibiting it as an object. Sculpture 制作年: 2019年 会場: Gallery PARC(京都) 素材: 鉄、塗料 遊具を彫刻化した作品。既成の遊具の設計図を企業から入手し、形や大 きさ、素材をそれと同じもので指定して、鉄工所へ 発注しました。作品のもとの形は、はん登棒(登り棒)で、鉄パイプ 7 本が地面から垂直に立っており、上が閉じていて、そ して下が地面に突き刺さった構造になっているのですが、この作品ではそれを横に向けて、地面と接している面を無くすことで、 左右それぞれの面が閉じた形になっています。 2015 年、PARC での個展「白」は、ギャラリーをホワイトキューブ化するシンプルな作品です。移転する前の PARC は、巨大 なガラスや、むき出しのコンクリートで構成された重厚な空間で、畳の台が設置されていたりして、非常に独特で、ニュートラ ルな空間とはほど遠いギャラリーであったため、ホワイトキューブにしてしまうことで、場所の特性を逆説的に、強調できるの ではないかと考えました。 その一方で、個展「白(shiro)」と同じ着眼点で、PARC の重厚な空間に置く作品は、どのようなものがふさわしいのかを導 き出した展覧会プランも考案し、開催が決定しました。その展覧会プランの内容は、無塗装の公園の遊具を彫刻として会場に 設置する、というもので、公園の遊具は鉄のような重厚な素材で作られていても、過度な着色の効果で、その素材感は消し 去られています。しかし、無塗装のまま彫刻台にのせて展示することで形は見慣れた遊具であっても、鉄や樹脂でできたむき 出しの素材感から、全く印象の異なる立体物に仕上がり、PARC の空間に合うだろうと考えました。 展覧会の開催が決定し、展示する遊具を提供してくれる業者を探し、交渉し、見つけることができましたが、そうこうしている うちに会場である PARC は移転が決まり、現在の場所に変わりました。その移転があったため、場所と強い関係を持った作品 プランがいったん概念化し、新たな場所で着地しました。そして、遊具には特有の造形性と、素材やその着色から彫刻と共有 している文脈を見出し、本来の機能を無くし、鑑賞物として展示することで、それらを強調しました。
Light & Soft year: 2019 venue: Gallery PARC(Kyoto) material: canvas, acrylic paint, resin In order to share a phenomena “cats look like paintings.” , I have created some works. On the canvas I printed photos of cat patterns, over which a simple pattern is painted with paint. In the other piece, with paint and brush, I painted cat patterns on a canvas or three-dimensional objects. While I sat in my studio with my cat on my lap, thinking or researching about painting, I made the connection that painting and cats are the same thing. Both have a fine structure, pleasant to look at, harmless, though somehow cats are conspicuous, they are modest and have a presence similar to a small painting on the wall of a room. The patterns of cats are often conspicuous and somewhat unique. The original pattern of cats are what now is called brown tabby. As cats entered and lived in human society, the original function of the pattern became unnecessary, and a wide variety of patterns were born. Nowadays, there are many kinds of patterns, such as tuxedo, white, silver tabby, black, calico, brown, tabby, spotted tabby, brown white, ash, and so on. There are also patterns derived from these, which differ slightly from one individual to another, so there are infinite patterns. When I was copying the patterns of cats with brushes and paints, I noticed that the colours and shapes were extremely complex. Even if the cat is black, if you look closely you can see a reddish colour deep in the fur, or a blue colour in some places. In this exhibition, the works painted on canvas show the complexity of shapes and colours of cats. The oddity of the cat patterns is revealed when it is expressed as a painting. However, when you put the painting on the part of the photograph of the cat from which it was taken, you will see almost no difference between them. Thus, each cat is a walking abstract painting with its own unique pattern, which is very attractive as an object to look at. When you see a cat on the street, or anywhere else, if you can think of the cat as a painting, you expand the range of places where art work can be found. Light & Soft 制作年: 2019年 会場: Gallery PARC(京都) 素材: キャンバス、アクリル、樹脂 「猫が絵画に見える」現象を共有するため、いくつかの作品を制作しました。キャンバスに撮影した猫の柄をプリントし、その 上からシンプルな模様 を絵具で描いた絵画と、キャンバスや立体物へ猫の柄を絵具と筆を使い 写した絵画があります。アトリ エで猫を膝にのせながら、絵画について考えたり、調べたりしているうちに、絵画と猫が同じものであるという結びつきが生 まれました。両方とも、軽やかな構造体を持ち、見ていて楽しく、無害であり、猫はどこか目立つ存在ではありますが、それ はささやかで、部屋の壁にかけている小さめの絵画に近い存在感を持ちます。そして、猫の柄は目立つことが多く、どこかユ ニークです。もともと、今でいうキジトラに近いもので、そこから、猫が人間の社会に入り込み、暮らす中で、柄の 本来持っ ている機能は不要となり、多種多様な模様が生まれてきました。現在ではブチ、シロ、サバ、クロ、ミケ、茶、トラ、ブチトラ、 茶シロ、灰、などが あり、そこから派生した柄があって、更に個体によって微妙に異なるので、無限に模様があります。猫の 模様を筆と絵具を使って、写しているときに気づいたのは、その色と形が異様に複雑であるということです。たとえ黒猫であっ ても、よく見ると毛の奥の方に赤っぽい色があったり、青く見える場所があったりします。 今回、展示している作品で、絵具でキャンバスに描いたものはその形と色の 複雑さを表現しています。絵画に置き換えることで、 その異様さが浮かび上がるのですが、この絵画を元になった猫の写真の、写し取った部分に当てはめても、ほとんど違和感は ありません。 このように猫は一匹一匹が独自の柄をもっていて、鑑賞物としての魅力もあるため、歩く抽象画といえるかもしれません。街中 や、どこかで猫を見かけたとき、「猫⇒絵画」という意識を持つことができれば、作品のある場が一気に広がることになります。
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